Considerado um dos maiores nomes da música barroca de todos os tempos, Georg Friedrich Händel nasceu em Eisenach, no dia 21 de março de 1685 e morreu Leipzig, no dia 28 de julho de 1750.

Sua obra é vastíssima e compreende mais de 600 composições, incluindo óperas, movimentos, oratórios, concertos, música de câmara, suítes e muito mais. Sua genialidade é tão grande que desde cedo já demonstrava aptidão para música, pois era considerado um virtuoso no órgão e no cravo, além de ter escrito a ópera Almira com apenas 20 anos de idade!

Quer saber mais sobre esse compositor essencial para a história da música? Fique conosco e confira mais no artigo a seguir! Acompanhe!

Biografia de Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel nasceu na Alemanha, tendo sido naturalizado inglês anos mais tarde. Händel era filho de um daqueles tipos mais famosos e antigos da Europa: o barbeiro-sangrador, espécie de médico e barbeiro.

Seu pai não concordava com a inclinação do filho para a música, mesmo Händel sendo considerado um virtuose no cravo com apenas 11 anos de idade. Apesar da desaprovação, o músico alemão seguiu seus estudos em música, porém, para agradar o pai, dividindo o tempo com o curso de Direito, no qual ingressou no ano de 1702 na prestigiada Universidade de Halle.

Em 1706, muda-se para a Itália, onde consegue apoio financeiro da nobreza e do clero para realizar turnês pelo país. Quatro anos após, muda-se novamente, desta vez para a Inglaterra. Nesse país escreve sua primeira grande obra que abre caminho para o seu estrondoso sucesso: a ópera Rinaldo.

Com o passar dos anos, Händel foi ficando cego devido a uma catarata que lhe afligia. No final da vida, o compositor estava praticamente sem visão. Sua morte ocorre poucos dias após a sua apresentação do oratório Messias, uma de suas obras mais populares.

Principais obras

Como já mencionado, a obra de Händel é extensa e seria muito difícil apresentar todas. Separamos a seguir as principais, as que mais tiveram êxito tanto de crítica quanto de público. Confira:

1. Óperas

O gênero mais explorado pelo compositor, as óperas sempre tiveram espaço de destaque em suas composições, e são elas que deram a Händel o devido reconhecimento. As principais são Agrippina (1709), Ottone e Teofano (1723), Giulio Cesare (1724), Tamerlano (1724), Rodelinda (1725), Ezio (1733), Ariodante (1735), Alcina (1735) e Berenice (1737).

2. Oratórios

Assim como a ópera, mas não na mesma intensidade, a obra de Georg Friedrich Händel está repleta de oratórios, tais como Israel no Egito (1738), Saul (1739), Messias (1741), Judas Maccabaeus (1746), Joshua (1747) e Jephtha (1751).

3. Outros gêneros

Além de óperas e oratórios, Händel dedicou seu tempo a diversos outros gêneros que vão desde a música religiosa, Chandos Anthems (1721), Coronations Anthems (1727) e Funeral Anthems (1737), até a música orquesttral, como em Fogos de Artifício (1749).

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A história da música se confunde com a história do mundo, porém, no início, o destaque era para as vozes. Na verdade, pouca coisa, além de profissionais que cantavam eram relevantes para o que se conceituava como música.

Os instrumentos musicais eram mero suporte para o trabalho de profissionais do canto.

O que hoje conhecemos como orquestra sinfônica é resultado de uma evolução que ocorreu em muitos sentidos. Mas a história da orquestra é cheia de nuances que poucas pessoas conhecem.

O que é uma orquestra?

Por orquestra, compreende-se um conjunto musical, surgido no Ocidente, que possui em sua formação instrumentos de corda, percussão e sopro.

O objetivo de uma orquestra é que ocorra a fusão dos timbres com os aparatos acústicos.

Assim, a orquestra é quem rege, por exemplo, sinfonias, e também quem acompanha os corais e as orquestra, dentre tantas outras expertises. Hoje, tal conceito não se limita somente ao Ocidente, tendo ultrapassado as barreiras geográficas ao redor do mundo.

O termo remete ao local semicircular localizado em frente aos estádios da Grécia. Tais espaços se encontram entre o público e o cenário e é lá que ocorriam as apresentações. Tudo iniciou com pequenos grupos, mas foi se desenvolvendo.

Estes grupos apresentavam-se para deleite da nobreza da época, no caso, na Idade Média.

Este conceito de orquestra é muito diferente do que conhecemos atualmente e remete ao período citado, da Idade Média.

A origem da orquestra

A palavra orquestra é oriunda da Grécia antiga. Porém, o conceito de orquestra que conhecemos hoje, como a filarmônica ou sinfônica, começou a se transformar na forma conhecida hoje, durante o Renascimento italiano. Ou seja, podemos afirmar que esta modalidade nasceu em berço europeu.

Nos primórdios, era uma convenção social que os instrumentos deveriam ser executados sempre de forma homogênea. O que compreende que estes deveriam ser da mesma família.

Porém, no século XVIII ocorreu uma mudança estrutural na música e, assim, timbres diferenciados passaram a ser executados para apreciação do público.

Além disso, o propósito da música, em si, mudou, uma vez que esta era utilizada, essencialmente, para fins religiosos. O conceito de música como entretenimento trouxe novas roupagens para sua história.

A música que não tinha fim religioso, era classificada como pagã, o que tornava a música como entretenimento algo periférico e até mesmo proibido.

A primeira fase deste conceito dr orquestra que conhecemos, denomina-se orquestra barroca e iniciou na metade VXI. Tal fase foi diretamente influenciada pelos italianos.

No final do século XVIII, começou a ser desenvolvida a orquestra conhecida como clássica. Portanto, desde este período existe a concepção que temos das orquestras, que teve poucas transformações substanciais desde este período.

Orquestras com até 40 instrumentistas são denominadas orquestras de câmara; já as que têm mais de 50 instrumentistas são designadas como sinfônica ou filarmônica.

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O universo musical é repleto de grandes nomes que influenciaram e continuam influenciando compositores em todo o mundo. Um deles é o russo Sergei Rachmaninoff, considerado um dos mais influentes pianistas do século XX e um dos últimos expoentes da tradição romântica russa.

Leia esse post e conheça a história e a obra de Sergei Rachmaninoff, além do legado musical deixado por esse grande compositor russo.

Quem foi Sergei Rachmaninoff?

Sergei Vasilievich Rachmaninoff nasceu em 1873 em Semyonovo, localidade rural no noroeste da Rússia. Foi pianista, compositor e maestro, considerado um dos últimos nomes do estilo Romântico dentro da música erudita.

Apesar de seus pais serem pianistas amadores, Rachmaninoff começou a estudar piano de verdade apenas quando foi estudar no Conservatório de São Petersburgo, para onde se mudou com a família. Posteriormente, no Conservatório de Moscou, foi orientado principalmente por Nikolai Zverev, o qual mantinha o jovem músico, considerado preguiçoso, sob um rigoroso regime de disciplina.

Já nessa época, ainda jovem, suas primeiras peças para piano foram executadas, revelando um compositor muito habilidoso. Mas sua estreia em 1897 com a “Sinfonia No. 1” não foi bem recebida pela crítica, o que gerou um quadro de depressão em Rachmaninoff. O pianista só se recuperaria nos anos seguintes após fazer terapia, estreando com o “Concerto para Piano nº 2”, dedicado ao psiquiatra Nikolay Dahl.

Foi maestro no Teatro Bolshoi entre 1904 e 1906. Após a Revolução Russa em 1917, Rachmaninoff deixa São Petersburgo com a família, passando por alguns países europeus até se mudar para os Estados Unidos no ano seguinte, onde viveria até sua morte, em 1943.

A obra de Sergei Rachmaninoff

Enquanto viveu na Rússia, Rachmaninoff produziu muitas composições, mas após se mudar para a América, a saudade da terra natal abalou profundamente sua inspiração. Apesar disso, assinou contrato exclusivo com a gravadora estadunidense Victor Talking Machine Company em 1920, gravando com ela até 1942.

A seguir, estão listadas as principais composições do pianista russo:

• Sua famosa “Rapsódia sobre um tema de Paganini”;
• Quatro concertos para piano, sendo o terceiro considerado um dos mais difíceis do mundo;
• Três sinfonias;
• Duas sonatas para piano;
• Três óperas;
• Uma sinfonia para coral intitulada “Os Sinos”, baseada no poema homônimo de Edgar Allan Poe;
• 17 études;
• 24 prelúdios, sendo “Prelúdio em Dó Menor Sustenido” um dos mais conhecidos, lançado ainda na Rússia em 1892;
• Muitas canções, como “No Silêncio da Noite”;
• “Danças Sinfônicas”, último trabalho completo.

Rachmaninoff tinha mãos largas, o que lhe permitia cobrir um grande intervalo do piano e apresentar trejeitos rítmicos e técnicos excelentes. Além disso, o russo tinha a habilidade de tocar composições complexas após ouvi-las pela primeira vez.

As peças de Rachmaninoff são carregadas de melancolia e elegância. Em suas composições, nota-se influência principalmente de Tchaikovsky, mas também de nomes como Liszt, Chopin, Medtner, Balakirev e Mussorgsky.

Legado musical do compositor russo

A obra de Rachmaninoff continua viva, influenciando músicos de todo o mundo. Mas suas composições ultrapassam o universo musical, tendo sido utilizadas como tema em muitos filmes, musicais e até animes, consolidando sua importância tanto entre músicos quanto entre ouvintes.

Os trabalhos do grande pianista russo já integram o repertório padrão da música erudita. Mais do que isso, são reconhecidos como verdadeiras obras-primas e executados por virtuosos músicos, indo muito além da música de Tchaikovsky, que tanto o inspirou.

Não é à toa que o pianista russo ganhou uma estátua em homenagem ao seu último concerto, a qual está localizada no Parque de World’s Fair, na cidade de Knoxville. Também leva seu nome a escola de música que ele e outros russos exilados fundaram em Paris, em 1931.

Neste momento de guerra Rússia x Ucrânia, conhecer um pouco da vida e da obra de Sergei Vasilievich Rachmaninoff nos proporciona a certeza de que o povo e sua cultura são infinitamente maiores do que qualquer governo ou governante.

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Você já ouviu falar sobre flautim? Trata-se de um instrumento musical, também conhecido por piccolo (“pequena flauta”, em italiano) e pertencente à família da flauta, utilizado sobretudo para a realização de concertos, peças teatrais e orquestras sinfônicas. Essa aplicação, de iniciativa dos românticos, teve início no século XIX.

Neste artigo, aprenda tudo sobre flautim: da sua origem, passando pela sua aparência e chegando aos seus atributos, especialmente os sonoros.

Boa leitura!

Onde e quando surgiu o flautim?

O flautim é um recurso comumente executado na música erudita moderna.

Feito primitivamente em madeira, assim como a flauta, o instrumento foi inserido em orquestras no século XI. Entretanto, a sua origem é muito mais antiga, datando dos tempos dos filósofos gregos Sócrates e Platão (e perpassando o Egito Antigo, com o pai de Cleópatra, um exímio flautista).

No século XIX, a partir da iniciativa dos românticos, foi introduzido na orquestra de concerto (inclusive na de teatro).

Qual é a aparência do flautim e por quem costuma ser executado?

O flautim, como vimos, pertence à família das flautas transversais (ou ocidentais de concerto). Como tal, apresenta som semelhante a estas – especificamente soa uma oitava acima da flauta soprano – e é tocado por flautistas (por ser um instrumento de sopro de extrema precisão e difícil execução).

Em termos de aparência, o flautim também se assemelha às flautas ocidentais de concerto no que diz respeito ao dedilhado; no entanto, diferencia-se daquela não só pelo seu porte, mas também pelo seu formato cilíndrico. Esse instrumento conta com um pequeno tubo cônico de aproximadamente 34 cm de comprimento.

Quais são os diferenciais do flautim?

O flautim é o instrumento musical que executa os sons mais agudos de uma orquestra. Isso se deve a alguns atributos e diferenciais; são eles: 1. forma, 2. afinação e clave e 3. tessitura e registro. Veja:

1. 1. Forma: como já mencionado, o flautim possui um bocal e um tubo cônico ou cilíndrico. Além disso, agora é produzido não mais com madeira, mas fabricado com prata.
2. 2. Afinação e clave: o instrumento de sopro divide-se em dois tipos (em Dó e em Ré). Quando em Dó, é o predileto em orquestras sinfônicas; quando em Ré, costumeiramente executado em bandas. Em relação à música do flautim, essa é escrita na Clave de Sol.
3. 3. Tessitura e registro: o flautim moderno, em termos de tessitura natural, contempla do Ré4 ao Dó7, sendo a sua escala separada em três registros (superagudo, agudo e médio). Quanto à sonoridade, dispensa a beleza poética e a maviosidade da flauta. Por maviosidade consideramos a suavidade e a doçura trazida pelas flautas ocidentais de concerto.

Curiosidade: é importante ressaltar que, antigamente, havia o hábito de regular e controlar a cadência dos passos dos soldados a partir da sonoridade de tambores e de pífaros.

Deseja saber mais sobre o flautim e os demais assuntos relacionados ao universo da música? Então acesse o nosso site ou as nossas redes sociais. Publicamos periodicamente conteúdos ricos e exclusivos sobre arte e cultura.

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Você já parou para pensar na importância do aquecimento vocal? Aquecer a voz é muito importante se você usa a voz como instrumento de trabalho. Seja para cantar, dar aulas, palestras, fazer locuções ou ligações constantes, alguns exercícios são fundamentais.

Da mesma forma que nosso corpo, antes de qualquer exercício físico, precisa se aquecer, nossa voz também. Antes de você fazer uma corrida, por exemplo, deve começar caminhando. Assim seu corpo vai compreender a dinâmica do esforço. Aquecer é fundamental para não causar traumas.

A voz também utiliza músculos que são exercitados toda vez que a usamos. Por isso, o aquecimento vocal é tão importante. Lembre-se: cada voz é uma, e cada pessoa demanda um tipo diferente de aquecimento, variando de acordo com as necessidades e a saúde vocal.

A ciência por trás da nossa voz

A laringe é o órgão do corpo humano que produz a nossa voz. Nela estão localizadas as famosas pregas vocais. Elas funcionam juntamente com a nossa respiração. Desta forma, quando o ar entra nos pulmões e é expirado, ele passa pelas pregas vocais, produzindo o som.

Elas vibram com a passagem de ar, numa dinâmica muito parecida com a de uma bexiga. Incrível como nosso corpo funciona, concorda?

A real importância do aquecimento vocal

Da mesma maneira que um braço é exercitado ao carregar uma sacola de compras, nossa voz também é. Para ter pregas vocais com saúde, funcionando da melhor maneira e com flexibilidade, é preciso treinar e aquecer. Muito além de exercícios vocais, o bom controle respiratório é fundamental para o bom funcionamento da voz e manutenção da sua saúde. Cada tipo de aquecimento varia de acordo com as demandas do uso da voz.

Exercícios para aprimoramento da técnica vocal

Os exercícios de técnica vocal são denominados de maneira técnica como “vocalizes”. Estes exercícios buscam aprimorar fazer com que você perceba sua voz, o tom dela e como usar os graves e agudos ao seu favor. Reconhecer seu timbre é muito importante para saber moldar a sua voz com qualidade independente da situação que ela seja necessária.

Dicas para melhorar a saúde da sua voz

Confira algumas dicas bem interessantes para melhorar a sua saúde vocal. São dicas básicas e que jamais devem substituir a análise profissional da sua voz. Sempre consulte profissionais qualificados para entender melhor o funcionamento das suas pregas vocais e como usá-las da melhor maneira.

Cuidar da voz é cuidar da saúde, portanto, priorize sempre o cuidado de quem realmente entende do que faz. Nada de fazer testes e qualquer exercício que achar na internet! Isso pode ser perigoso.

1. Quando ler um texto, utilize marcadores de texto para saber o momento certo de respirar. Como falamos anteriormente, a respiração é o grande segredo por trás de cordas vocais saudáveis.
2. O soro fisiológico é um instrumento poderoso para hidratar e limpar as narinas e vias respiratórias. Consulte seu médico para saber mais sobre como utilizar o soro.
3. Tão importante quanto aquecer a voz é desaquecer. Relaxar as cordas vocais depois de um dia exaustivo é fundamental.
4. O tabagismo é um péssimo hábito para a saúde das cordas vocais. Evite fumar.
5. Exercícios físicos de maneira geral também contribuem para uma boa saúde vocal. Respire fundo e faça uma boa caminhada sempre que possível.

Quer saber mais sobre saúde vocal? Não deixe de conferir mais conteúdo de qualidade aqui em nosso site.

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Você sabia que maestro x regente não são necessariamente a mesma coisa? Muita gente usa os dois termos como sinônimos. E é verdade que ambos podem atuar como condutores de uma orquestra ou coral, o que causa ainda mais incerteza ao tentarmos diferenciar os dois.

Se essa é a sua dúvida, vamos explicar nos próximos tópicos as diferenças entre os termos e o que cada um desses profissionais faz. Confira!

O que é e o que faz um regente?

O regente é o profissional responsável por dirigir grupos musicais, sejam coros ou orquestras. Geralmente ele usa uma batuta para sinalizar tempo musical e alterações de intensidade, assim como os destaques dos naipes e solos. Ele pode, no entanto, conduzir apenas com as mãos – algo comum de se ver no caso dos coros.

Com ou sem batuta, os seus gestos ajudam a organizar o ritmo e a expressividade da música. Com a mão direita, por exemplo, ele dita andamento, métrica e intensidade da composição. E com a esquerda indica a expressão musical. Assim, atua como um importante elo entre o compositor e os instrumentistas que executam a obra.

E mais do que isso: é o regente quem dita a interpretação. A mesma peça, conduzida por diferentes regentes, poderá trazer nuances significativas em termos de expressão. Mas ao falarmos de maestro x regente, é importante deixar claro que o regente deve ser sempre um profissional com estudo formal em música.

Isso é necessário, pois a sua interpretação depende da leitura da partitura e do entendimento que tem da peça escrita. É a execução particular desse registro que confere uma expressão artística uniforme entre as vozes e instrumentos. Sem a direção que ele oferece, cada músico poderia tocar à sua própria maneira, prejudicando a harmonia do conjunto.

O que é o que faz um Maestro?

Um maestro costuma desempenhar o mesmo papel que um regente. Pode parecer confuso a primeira vista, mas a explicação é bem simples: maestro nada mais é do que um título, que pode ser traduzido por “Mestre”. Ou seja, ele é o líder de um determinado grupo musical. O que, nesse caso particular, não se restringe ao escopo da música erudita e aos corais.

Uma banda de jazz ou rock, por exemplo, tende a ter um maestro. Trata-se do frontman ou líder do grupo, o artista principal, que vai ditar andamento e interpretação. A grande diferença para o regente, é que um maestro não precisa necessariamente saber ler partituras ou ter uma educação formal em música.

Resumindo: maestro x regente

Basicamente, regente é um profissional com educação formal que comanda uma orquestra musical ou coro. Já maestro, é um título para um músico que desempenha a mesma função, mas sem a necessidade de formação musical.

Ou seja, podemos considerar que o termo “maestro” é análogo a certos títulos, como Mestre e Doutor. Então, para não errar, ao pensarmos na diferença entre maestro x regente, podemos começar dizendo, com segurança, que ambos são responsáveis pela condução de um grupo musical.

O papel que desempenham está ligado à responsabilidade de dar harmonia ao conjunto que se apresenta. O que difere os dois é que o regente é sempre um profissional com formação. Ao passo que o maestro não precisa necessariamente ter esta bagagem formal na música. Por isso, podemos dizer que todo regente é um maestro, mas nem todo maestro é um regente.

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