Quando se fala de canto, é necessário compreender a existência de algumas classificações vocais, nas quais é possível encaixar diferentes perfis. Cada tipo de voz é única, podendo alcançar determinada faixa de notas.

A classificação permite indicar em qual tom a música pode ser executada para se adequar ao tom de voz do intérprete.

Também conhecida como extensão vocal, a classificação vocal é uma maneira de categorizar alguns tipos de vozes, possibilitando identificar as notas que podem ser emitidas por um cantor, envolvendo das mais graves às mais agudas.

Nesse sentido, existem seis diferentes classificações, específicas para cada gênero. Dentre as masculinas, estão: tenor, barítono e baixo, que se diferenciam em razão da extensão vocal.

A voz do tenor, como visto, se enquadra na categoria de classificação masculina, apresentando uma linhagem melódica particular, a partir de suas qualidades vocais.

Conheça um pouco mais sobre esse tipo de voz.

O que é a voz tenor?

O tenor é o naipe masculino de alcance mais agudo, sendo identificado como o alcance mais agudo dos vocais masculinos. Ele é alcançado sem a necessidade do recurso do falsete, que consiste em enunciar, de forma artificial, sonoridades mais agudas ou mais graves do que as naturalmente produzidas.

A voz do tenor é apresentada como a categoria convencional das vozes que corresponde à faixa sonora mais aguda capaz de ser executada no canto lírico por um homem, se distinguindo dos outros naipes masculinos, como o barítono e o baixo, por possuir uma disposição das notas musicais que engloba a fronteira entre Dó2 e Dó4.

Origem

O termo tenor tem origem no vocábulo latino “tenere”, que significa sustentar. No período da Idade Média, a música era sustentada, sobretudo, pelo naipe do tenor, considerado o intérprete mais importante, a linha principal do canto lírico.

Isso se devia à necessidade de um cantor que sustentasse os timbres, ao mesmo tempo em que as outras vozes tinham a função de adornar a expressão vocal.

Também é por conta desse contexto que nos repertórios de óperas clássicas e românticas, os tenores são os encarregados de assumir os papéis de protagonismo masculino, cabendo às outras vozes mais graves (barítono ou baixo) assumirem os personagens coadjuvantes.

Características

A capacidade vocal do tenor é caracterizada por sua completa distinção, por sua tessitura bem compensada no registro agudo, nos limites de C3 para C5.

É importante mencionar que as vozes de tenor são subdivididas em algumas categorias. O tenor ligeiro, por exemplo, conhecido como 1º tenor, é a voz masculina natural mais aguda, apresentando facilidade para volaturas.

A voz do tenor lírico-ligeiro, por sua vez, se caracteriza por ser um pouco mais expressiva e encorpada do que a do tenor ligeiro, embora também apresente facilidade para agudos e volaturas.

O tenor lírico, chamado de 2º tenor, apresenta um timbre mais cheio, com a voz mais rica em harmônicos do que as anteriores.

Já o tenor dramático se assemelha ao soprano dramático, apresentando as mesmas características, sendo o tenor mais grave e raro de se encontrar.

Em uma análise mais aprofundada, é possível identificar ainda duas vozes do gênero masculino mais agudas que a do tenor: a do contratenor, que atinge a intensidade vocal do naipe feminino da mezza-soprano; e a do sopranista, que alcança notas próximas às situadas no perímetro do soprano.

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Se há algo em que o Brasil é rico, é em produção musical. Além de ser cheio de música regional e ritmos muito próprios do território e do povo brasileiro, há também que se dar o devido destaque para a música erudita brasileira, famosa mundialmente por sua riqueza e por sua qualidade.

Mas afinal, do que se trata a música erudita brasileira? Nesse texto, vamos entender um pouco mais! Entenda do que se trata a música erudita, as origens da música erudita brasileira e quais os seus principais compositores. Confira conosco!

O que é música erudita?

Se você não sabe ou não lembra do que se trata a música erudita, não se preocupe; estamos aqui para te ajudar. Pois bem, de forma básica, a música erudita se caracteriza pela sua diferença com a música popular. O termo ‘erudito’ vem do latim ‘eruditus’, significando instruído ou educado.

Trata-se, portanto, de um tipo de música com mais rigidez e um processo de composição mais sofisticado. Geralmente escrita em partituras e contando com uma grande quantidade de instrumentos, a música erudita é a mais estudada em escolas de música, e também apresentada por orquestras ou coros litúrgicos. Diferencia-se da música clássica porque abrange outros períodos, como o barroco, o medieval e muito mais.

Como se configura a música erudita brasileira?

A música erudita também está presente na história do Brasil, e sua origem esteve muito conectada à Igreja Católica, uma vez que a música erudita era ensinada aos indígenas pelos jesuítas. Nessa época, a música erudita brasileira era predominantemente religiosa.

Porém, no século XVIII, o povo brasileiro que se configurava começou a demonstrar interesse pela ópera-bufa, gênero cômico que também se espalhava pela Europa. O principal compositor da época chamava-se Luís Álvares Pinto, nascido em Pernambuco e grande teórico da música.

A chegada de Dom João VI, porém, no século XIX, foi essencial para o desenvolvimento cultural do país, e começaram a surgir grandes compositores no país durante essa época. Começou-se a desenvolver, também, um lado mais nacionalista da música erudita brasileira, e Brasílio Itiberê da Cunha foi um grande compositor desse período.

Quem são os principais compositores da música erudita brasileira?

Há muitos nomes famosos e donos de composições brilhantes na música erudita brasileira. A seguir, trouxemos dois deles, que provavelmente você já ouviu falar. Confira:

1 – D. Pedro I: isso mesmo, você não leu errado. O primeiro governante do Brasil independente foi um músico de alta qualidade, versado em cravo, violoncelo, clarineta e fagote. Inspirado em Mozart, fez muitas composições famosas, incluindo o Hino da Independência.

2 – Heitor Villa-Lobos: impossível estudar música e nunca ter ouvido falar em Villa-Lobos. Sem dúvida, ele é o maior nome da música erudita brasileira. Com mais de duas mil composições, Villa-Lobos sempre advogou por uma miscigenação sonora entre a música brasileira e a música europeia.

Gostou de conhecer sobre a música erudita brasileira? Então fique ligado em nosso blog! Estamos sempre trazendo novidades sobre o universo da música e da cultura em um geral. Fique por dentro e não perca nenhum detalhe.

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Embora as aulas extracurriculares de futebol ou de balé sejam muito mais comuns entre crianças e adolescentes, existem atividades capazes de despertar algo diferente nos pequenos (e nos maiores também), como é o caso da música.

Mas, o que a ida até uma escola de música pode fazer pela vida de um indivíduo, independentemente de sua idade? Bem, enquanto alguns se tornam artistas profissionais, outros podem passar a apreciar os sons, a cultura e até mesmo desenvolverem mais disciplina.

Para compreender melhor os benefícios desta atividade única, fique de olho no nosso conteúdo especial abaixo! Vamos começar?

A música nos ajuda a desenvolver confiança

Todo percurso realizado desde a entrada até a saída de uma escola de música costuma ser desafiador. Nos primeiros dias, acertar as notas pode parecer uma tarefa extremamente difícil. As escalas parecerão estranhas, e as teclas e cordas (no caso de certos instrumentos) parecerão até mesmo desafinadas.

O que isso significa? Que é preciso ter coragem para enfrentar um dia após o outro, ser paciente e não desistir. Encontrar o equilíbrio certo não é apenas a chave para tocar bem um instrumento, mas é também um dos pilares para o sucesso na vida. Afinal, isso é sinônimo de confiança.

Quando uma criança ou adolescente consegue obter algum resultado incrível e repeti-lo, seu espírito ficará animado e sua autoestima aumentará consideravelmente. Além disso, quando se compreende o fluxo de aprendizado de um instrumento ou do próprio canto, fica mais fácil aceitar críticas e melhorar, sem perder a alegria e a leveza.

Frequentar uma escola de música melhora nossa memória

Aprender algo relacionado à música exige que os alunos se lembrem de uma quantidade impressionante de informações, sejam elas sobre a localização de notas, a composição de acordes ou até mesmo o tempo certo de suas músicas favoritas.

Ou seja, frequentar uma escola de música faz com que seu cérebro alcance seu nível máximo de eficiência.

À medida que a memória de crianças, adolescente e adultos é desenvolvida e se expande para acomodar a música, ela não volta ao tamanho original. O que isso significa? Que você pode utilizá-la para comportar outros conteúdos de seu interesse, como textos, matérias, outras línguas e até mesmo matemática (por que não?).

Cultiva a paciência e a disciplina

Em um tempo em que as pessoas vivem grudadas em telas de smartphones e celulares, a paciência e a disciplina tornaram-se quase impossíveis de serem encontradas em boa parte das pessoas. No geral, a maioria dos indivíduos são afligidos pelo desejo de receberem gratificação instantânea.

Por sorte, entrar para uma escola de música e aprender a tocar um instrumento não é algo que possa ser feito através de atalhos. Na verdade, isso leva tempo e muito esforço. Logo, o processo em si já ensina paciência e disciplina mesmo sem que a pessoa perceba, fazendo com que ambas as características sejam introduzidas em sua vida.

Claro, os benefícios que uma escola de música é capaz de oferecer são inúmeros e jamais caberiam apenas em um artigo. Por isso, que tal experimentá-los por conta própria?

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A música é um elemento presente na história da civilização desde os seus primórdios. Ao longo dos tempos, diferentes culturas vivenciaram a experiência musical de diversas formas, passando a elaborar técnicas e teorias que fossem capazes de padronizar modelos de composição e de concepções musicais.

Na Grécia Antiga, por exemplo, já era possível observar registros e ideias de peças musicais baseadas em sistemas que utilizavam o alfabeto grego como modelo.

Com o passar dos tempos, outras civilizações buscaram desenvolver fórmulas de representação e divulgação das obras musicais.

Foi dentro dessa perspectiva que surgiu o conceito das notas musicais. Mas afinal, o que elas representam? Em que contexto e como elas foram concebidas?

Entenda mais a seguir.

Invenção

As notas musicais não foram descobertas, mas sim inventadas. Trata-se na realidade de uma convenção, de um código pré-determinado para auxiliar os músicos na leitura de partituras.

Em cada país ou em cada povo, as notas musicais podem ser representadas por notas ou marcações diferentes. Também é possível que as partituras em que elas são organizadas variem a depender da tradição.

De qualquer modo, as origens das notas musicais remontam ao período da Idade Média, onde a música foi ganhando relevância e importância, sobretudo entre os clérigos da época.

O saber musical, proveniente da civilização clássica, obtido pelos monges por meio das bibliotecas dos mosteiros, somado ao fato de que a utilização da música passou a assumir grande valor nas celebrações litúrgicas do período, reforçou a necessidade de oficializar e esquematizar determinadas convenções musicais.

Criador

Foi diante desse contexto que o monge beneditino italiano Guido de Arezzo, que viveu no século XI, elaborou um sistema de notação musical seguido até os dias atuais.

A criação se deu enquanto ele trabalhava no mosteiro da cidade de Pomposa e percebeu a dificuldade dos cantores gregorianos em memorizar as músicas sacras. Diante do analfabetismo de grande parte das pessoas, a Igreja via na música o recurso mais poderoso de atrair fiéis.

Além disso, em seus estudos, Guido de Arezzo avaliou que, ao construir uma escala musical simplificada era possível facilitar o aprendizado dos estudantes, na medida em que também seriam reduzidos os erros de interpretação de uma peça musical.

Hino a São João Batista

Nos seus tratados, foi idealizado um sistema para recordar os tons das notas musicais. Ele recorreu a uma canção extremamente popular na época, de fácil memorização.

A canção escolhida foi o Hino a São João Batista, cantado em louvor a esse santo, que teve as suas sílabas iniciais “transformadas” em notas.

Foi dessa forma que, das iniciais de cada um dos versos ordenados na versão em latim, criou-se a grande maioria das notas musicais.

A partir dessa combinação surgiram ut, ré, mi, fá, sol, lá – e o si, formado pelas iniciais do nome do santo (Sancte Iohannes). Por ser de difícil pronúncia no solfejo, a leitura ou entonação dos nomes das notas de uma peça musical, a nota ut, seis séculos mais tarde, em 1693, foi substituída pelo dó.

Em alguns países, porém, como na França, ut segue sendo chamada como a primeira nota da escala musical.

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